Nos gusta disfrutar del teatro, del cine, de la ópera, de la buena comida, de la buena música, y de todas esas pequeñas cosas (y no tanto) que compartimos. Este blog pretende recopilar algunas de esas cosas, con nuestros comentarios, impresiones y todo aquello que nos permita recordar más adelante, un argumento, una canción, algún detalle que nos pudo conmover.
Ab+Mb
George y Martha se odian. Conocen perfectamente sus debilidades y como increparse. George es un profesor de historia con un grave problema de alcoholismo y Martha es una mujer frustrada y de irritable carácter. Cuando una noche de sábado se reúnen con un compañero del trabajo y su mujer para pasar un rato agradable, la velada se convierte en una auténtica pesadilla. Los cuatro se enzarzan en una espiral de odio que acaba por destapar las emociones más profundas de los presentes. ¿Quién teme a Virginia Woolf? no es más que el retrato de la sociedad americana del momento y el análisis de un mal general: el engaño.
Mb
Primera obra de la temporada. Tenía muchas expectativas porque guardo un gran recuerdo de la película, protagonizada por Elisabeth Taylor y Richard Burton en 1966. La obra no las cubrió del todo. No sé si por la forma en que se desarrolla, o porque la adaptación, no termina de dejar claro el origen del conflicto agresivo y permanente de la pareja, aunque hacia el final se va desvelando el trauma del hijo, ¿muerto o inventado?. En cualquier caso representan el prototipo de relación de "ni contigo, ni sin ti", el maltrato psíquico y también físico en el que muchas parejas viven pero del que realmente no pueden/quieren salir. Muy buenas las actuaciones de los actores principales, especialmente Carmen Machi. Me pareció floja la pareja de secundarios.
Como curiosidad, el título, y la famosa cancioncilla que repiten a lo largo de toda la obra "quién teme a Virginia Wolf, Virginia Wolf" hace referencia a la canción infantil "quién teme al lobo feroz, lobo feroz, lobo feroz", lo que sin duda es una analogía a la fiera que ambos llevan dentro.
Museo Nacional de Antropología Calle Alfonso XII, 68 28014 Madrid Teléfono 915 30 64 18
El Museo Nacional de Antropología es el primer museo
antropológico que se crea en España y tiene su origen en la iniciativa del
médico segoviano Pedro González de Velasco (finales del s.XIX), que quiso crear
un museo donde dar albergue definitivo a sus variadas colecciones, siguiendo el
modelo del Museo Británico de Londres. A la muerte del Doctor Velasco en 1882
el Estado compró las colecciones y el edificio; a estas colecciones
originarias, se han ido añadiendo muchas otras fruto de expediciones, viajes,
donaciones, compras, etc.
El edificio fue diseñado
y construido entre 1873 y 1875 por Francisco de Cubas, marqués de Cubas, en la
antigua casa y museo del doctor Pedro González de Velasco. Fue declarado Bien
de Interés Cultural en 1962.
El Museo Nacional de Antropología ofrece una
visión global de la cultura de diferentes pueblos y asimismo establece las
semejanzas o diferencias culturales que les unen o separan para poner de
manifiesto la riqueza y diversidad de las culturas existentes a lo largo del
mundo, para favorecer la comprensión intercultural y promover la tolerancia
hacia otros pueblos y otras culturas.
El gigante extremeño
Vivo o muerto, en el siglo XIX o en el XXI, vestido de pie o
en la yacente desnudez de sus huesos, Agustín Luengo Capilla siempre fue un
hombre asombroso, un gigantón que paseaba entre caras de sorpresa sus 235
centímetros de altura (veinte más que Gasol) por aquella España decimonónica de
gentes pequeñitas, donde la talla media rondaba el 1,60 (hoy, es de 1,73).
Cuentan de Agustín, que nació en 1849 en la Puebla de Alcocer (Badajoz) y murió
26 años después en Madrid, que en su casa tuvieron que abrir un butrón en la
pared para que pudiera dormir con las piernas totalmente estiradas. También
cuentan que en aquella España pueblerina que se reía de las malformaciones (y
pagaba por verlas), el amigo Agustín se ganaba la vida en uno de aquellos
circos de monstruos con enanos, mujeres barbudas y hombres elefantes, tan del
(mal) gusto de la época. Su número, que se anunciaba como una de las mayores
atracciones, consistía básicamente en mostrarse tal cual era y pasear bien
cerca del público para que niños, mujeres y hombres se deleitaran con su
anatomía exagerada. El momento cumbre de la función llegaba cuando, como el que
se esconde dos monedas, Agustín ocultaba en sus descomunales manos un par de
panes redondos de kilo y medio cada uno. Puede que los aplausos que retumbaban
bajo la lona aliviaran el terrible dolor físico de aquellos huesos hundidos
bajo el peso de un cuerpo desproporcionado. O puede que quizá le resultaran
humillantes socavando aún más su autoestima. Nunca lo sabremos.
Lo cierto es que gracias al éxito de sus exhibiciones
circenses, la fama del gigante Agustín (un caso claro de acromegalia, un
trastorno causado por un tumor que dispara la producción de la hormona del
crecimiento) llegó a oídos del doctor Pedro González de Velasco, catedrático de
Anatomía de la Universidad de Madrid, que impresionado por las peculiaridades y
rareza antropológica de aquel esqueleto, hizo a Agustín una oferta que no pudo
rechazar. Le compraría su cuerpo en vida a cambio de una renta de 3.000
pesetas, una fortuna en aquella época, equivalente al salario medio de ocho
años. Agustín recibiría 2,50 pesetas al día mientras viviese y a su muerte, su
cuerpo pasaría a una especie de museo anatómico que por aquellos años, González
de Velasco estaba montando en su propia casa del barrio de Atocha. Digamos, de
paso, que el doctor era un personaje singular.
Hijo de un humilde matrimonio de labradores segovianos, se
forjó una brillante trayectoria profesional sin renunciar a su obsesión de
recuperar cadáveres para la enseñanza de la Medicina. El reconocido galeno
invirtió todos sus ahorros en la construcción del edificio del museo (que fue
su vivienda habitual y donde murió en 1882) y allí fundó en 1875 el Museo
Nacional de Antropología, en cuya sala principal reposan los restos del que
todos conocen como El Gigante Extremeño, que no es otro que Agustín Luengo
Capilla, quien, por cierto, no pudo disfrutar de aquella suculenta renta
vitalicia pues murió al poco de tiempo.
En el ‘vaciado’ del cuerpo del gigante que acometió el
propio catedrático de Anatomía, el esqueleto perdió diez centímetros y así, con
una impresionante osamenta de 2,25 metros, es como se exhibe en la actualidad
en el Museo. Sus restos, resguardados en una vitrina acristalada, están
custodiados por un vetusto armario repleto de cráneos, por la llamada ‘Momia
guanche’ (el cadáver perfectamente embalsamado de un lugareño canario de tiempo
inmemorial) y una escultura a tamaño natural del propio Agustín (resultante del
vaciado practicado por el doctor) que áun conserva minúsculos restos capilares.
Ni que decir tiene que el colosal esqueleto es la pieza más
admirada por los más de 40.000 visitantes que recibe el Museo cada año.
Guión:
Leigh Brackett & Jules Furthman (Historia: B. H. McCampbell)
Música: Dimitri Tiomkin
Fotografía: Russell Harlan
Reparto:
John Wayne,
Dean Martin,
Ricky Nelson
Angie Dickinson,
Walter Brennan,
Ward Bond,
John Russell,
Claude Akins,
Bob Steele,
Estelita Rodriguez
Productora: Warner Bros. Pictures
Género: Western
Cines Doré (La Filmoteca), Madrid 29 Julio 2012
Argumento:
El sheriff Chance (John Wayne) encarcela por asesinato al
hermano de un poderoso terrateniente cuyos hombres intentarán liberarlo. Para
impedirlo, Chance cuenta con la colaboración de dos ayudantes: un alcohólico
(Dean Martin) y un viejo tullido (Walter Brennan), a los que se une un joven y
hábil pistolero llamado Colorado (Ricky Nelson). Todos quedarán encerrados en
la cárcel de la oficina del sheriff, roedados, incrementándose la tensión en el
pueblo a la espera de que llegue la autoridad estatal para llevarse al detenido.
Mb
Un clásico del cine y por lo visto, uno de los mejores westerns de la historia del cine. Me ha gustado más que Río Lobo que vimos ayer, y también es mejor película. De todas formas se me ha hecho larga. Será que el Western no es mi género...
Me ha hecho gracia ver a Angie Dickinson en el papel protagonista femenino, que tenía tan relacionada con el papel de la sargento Leanne "Pepper" Anderson que interpretó en la serie La mujer policía a mediados de los años 70.
Productora: National
General Picture / Cinema Center Films
Género:Western
Cines Doré (La Filmoteca), Madrid 28 Julio 2012
Argumento:
Este western clásico repleto de acción trata del
espectacular robo de un tren de la Unión por las guerrillas confederadas. El
coronel del tren (John Wayne) encarcela a los jefes enemigos Cardona (Jorge
Rivero) y Tuscarora (Christopher Mitchum), pero los tres hombres acaban
haciéndose amigos al terminar la guerra.
Tras esto, comienzan a buscar a los traidores de la Unión
responsables de una serie de robos a trenes por parte de los confederados, y
que los conducirá a la ciudad de Río Lobo, donde se les unirá la joven Shasta
Delaney (Jennifer O'Neill), la cual destapa la trama de corrupción de la ciudad.
Ópera de
Osvaldo Golijov (1960), con libreto de David Henry Hwang, inspirada por
la impronta que Federico García Lorca (1898-1936) dejó en la vida y la
carrera dramática de su actriz fetiche y amiga Margarita Xirgu, quien
falleció en el exilio en Montevideo en 1969, después de haber llevado la
voz y el alma de Lorca a toda América Latina.
La ópera, ganadora
de dos premios Grammy en 2007 (mejor composición de música contemporánea
y mejor grabación de música clásica, de Deutsche Grammophon), llega a
Madrid en la aclamada y sobrecogedora puesta en escena de Peter Sellars
para la Ópera de Santa Fe, estrenada en 2005 y repuesta varias veces en
Estados Unidos, y con escenografía del pintor Gronk.
Nuria Espert, que está en la génesis de la partitura y que inspiró el personaje de Nuria, recita diez poemas de Diván del Tamarit de
Lorca, desdoblando el personaje de Margarita Xirgu, que interpretará
junto con la soprano Jessica Rivera. A su lado, encabezando el reparto,
están la mezzosoprano estadounidense Kelley O’Connor, como Federico
García Lorca, y Nuria Rial, como la joven actriz Nuria.
La partitura
de Ainadamar, que une a la parte orquestal guitarra y percusión
flamencas, efectos sonoros grabados y tratamiento electrónico en
directo, exige que todos los intérpretes estén amplificados por 60
micrófonos distribuidos entre los artistas y el escenario.
Alejo
Pérez es el encargado de dirigir la nueva versión de la ópera de Golijov
en Madrid, creada con la colaboración de Adam del Monte (guitarra
flamenca), Gonzalo Grau (percusión) y Jeremy Flower (efectos sonoros y
sampler).
Ainadamar es la primera ópera del compositor argentino Osvaldo Golijov. El libreto es del escritor estadounidense David Henry Hwang.
Ainadamar significa "Fuente de las lágrimas" en idioma árabe.
Acción
La ópera cuenta la historia del escritor Federico García Lorca y su musa, la actriz catalana Margarita Xirgu. El personaje masculino de Lorca es interpretado por una mujer. Subtitulada "una ópera en tres imágenes", Ainadamar está contada cronológicamente de modo inverso e involucra la oposición de García Lorca a la Falange Española, acusaciones de homosexualidad y su subsecuente muerte.
La acción comienza en el Teatro Solís de Montevideo en abril de 1969. Se escuchan voces de niñas cantando la balada de apertura de la obra de García Lorca: Mariana Pineda. La actriz Margarita Xirgu mira hacia atrás en el tiempo a través de 40 años, desde que participó en la premiere de esta atrevida obra de un joven y brillante autor. En los últimos minutos del último día de su vida, ella intenta transportar a su alumna, la joven Nuria, al fuego, la pasión y la esperanza de su generación, la que hizo nacer a la República Española.
Recuerda en flashes su primer encuentro con García Lorca en un bar de Madrid. Él le dice que la libertad en su obra no es sólo libertad política, y narra un mundo inspirado en la visión de la estatua de Mariana Pineda, que vio de niño en Granada. Mariana fue ejecutada en 1831 por coser una bandera constitucional y rehusarse a revelar los nombres de los líderes de la oposición constitucional a la monarquía absolutista de Fernando VII, entre ellos, su amante. Éste la abandonó, y ella escribió una carta final, serenamente compuesta, a sus hijos, explicando su necesidad de morir con dignidad.
Margarita reflexiona en los sucesos paralelos de Mariana y Federico. El ensueño es roto por la llamada de Ramón Ruiz Alonso, el falangista que ordenó el arresto de Lorca, ejecutado en agosto de 1936.
La balada de Mariana Pineda vuelve a sonar, esta vez llevando a Margarita al verano de 1936, la última vez que vio a Federico. La República Española es atacada: el levantamiento de los generales de la derecha ha comenzado. La compañía de teatro de Margarita es embarcada en una gira a Cuba. Ella le rogó a Federico que la acompañara, pero él decidió, en cambio, ir a su casa en Granada, a trabajar en nuevas obras y poesía.
Nadie sabe los detalles de la muerte de Lorca. Margarita tiene una visión de su hora final: el oportunista Ruiz Alonso arrestando a García Lorca en Granada, y conduciéndolo a un solitario lugar de ejecución, Ainadamar, "la fuente de las lágrimas", junto a un torero y un maestro.
Por tercera vez escuchamos la balada de Mariana Pineda, una vez más la obra está por comenzar, la historia recontada por la generación de alumnos latinoamericanos de Margarita. Margarita sabe que está muriendo. Esta vez no puede hacer su entrada, otros deben hacerla. Guiada por su corazón, le dice a Nuria que un actor vive por un momento, la voz individual de un actor es silenciada, pero que la esperanza de la gente no muere. La dictadura militar se prolongó en España por casi cuarenta años, Franco nunca permitió que Margarita Xirgu, imagen de la libertad, pisara suelo español. Margarita mantuvo vivas las obras de García Lorca en Latinoamérica mientras eran prohibidas en España.
El espíritu de García Lorca entra en la sala. Toma la mano de Margarita, y toma la mano de Nuria. Juntos entran en un ardiente atardecer de delirante transformación visionaria. Margarita muere, ofreciendo su vida a las líneas finales de Mariana Pineda: soy libre. Su coraje, su claridad y su humanidad son pasadas a Nuria, sus estudiantes, y las generaciones que le siguen. Canta: "Soy la fuente de la cual tú bebes".
Dramaturgia: Paco Bezerra a
partir de los textos 'L'École des filles' -anónimo- y 'Ragionamenti', de
Pietro Aretino.
Intérpretes:
Fanchon: María Adánez
Susanne: Cristina Marcos.
Soprano:
Rosa Miranda.
Viola de gamba: Sofía Alegre
Espacio escénico: Mónica
Boromello.
Vestuario: Paco Delgado.
Iluminación: David Hortelano.
Espacio sonoro: Luis Miguel Cobo.
Dirección: Luis Luque.
Producción:
Andrea D'Odorico y Teatro Portátil
Teatro Bellas Artes, Madrid 24 Junio 2012
'La Escuela de la desobediencia' nos traslada en el tiempo al pasado,
pero al mismo tiempo deja nuestra mirada y nuestro pulso clavados en el
escenario. Asistimos a dos diálogos muy bien hilvanados y transformados
en carne dramática. En el primero, dos primas mantienen una conversación
'sobre hombres' en la que Susanne, la iniciada en las
artes amatorias y libre de prejuicios morales, intenta convencer a la
inexperta -Fanchon- de las múltiples bondades del placer
sexual. El segundo diálogo llegará una vez que la joven inexperta ha
mandado al cuerno, con un esmero que no ha escatimado ni un ápice de
entusiasmo, su inexperiencia. Las lecciones que su prima le enseñó han
dado sus frutos (muy abundantes).
Montsalvage:Desintegración
morfológica de la Chacona de Bach
Mahler:Sinfonía
nº 1 en re mayor "Titán"
Auditorio Nacional de Música, Madrid 21 Junio 2012
Turina:Danzas Fantásticas, Op. 22
es la obra más conocida del compositor español Joaquín
Turina . Fueron escritas en 1919, originalmente para piano solo, y se orquestaron más
tarde. Sin embargo, la versión orquestal fue la primera en realizarse, y esta
ha sido la causa de cierta confusión en las obras de referencia.
El trabajo fue inspirado por la novela La orgía de José Mas
, y las citas de la novela fueron impresos por el resultado al inicio de cada
baile:
1. Exaltación, una jota de Aragón
Parecía como si las figuras de ese cuadro incomparable se
moviesen dentro del cáliz de una flor
2. Ensueño, un vasco zortziko
Las cuerdas de la guitarra sonaban como el lamento de un
alma desamparada bajo el peso de la amargura
3. Orgía, un andaluz farruco
El perfume de las flores se fusionó con el olor de la
manzanilla , y de la parte inferior de los vidrios levantados, lleno de vino
incomparable como el incienso, la alegría fluyó
Montsalvage:Desintegración morfológica de la Chacona de Bach
Compositor catalán (1912-2002) que también ha realizado una
importante labor como crítico musical. Nació en Girona y fue discípulo de los
compositores Lluís Maria Millet, Enric Morera, Jaume Pahissa y Eduard Toldrá.
Obtuvo el premio Felipe Pedrell en 1936 y el de la Fundación Rabell en 1939.
Después de la Guerra Civil española comenzó a escribir para el diario La
Vanguardia de Barcelona y para la revista Destino. Continuó esta labor de
difusión de la música durante la década de 1950 en numerosas publicaciones
relacionadas con esa disciplina. En esos años entabló relación con los
compositores franceses Olivier Messiaen y Georges Auric. De su vasta producción
destacan: Sinfonía mediterránea (1949), con la que obtuvo el premio de la
Escuela Superior de Música; Cinco canciones negras (1946); las óperas
Desintegración morfológica de la Chacona de Bach (1959) y Una voz en off
(1962); Homenaje a Manolo Hugué (1971); Concert-capriccio para arpa y orquesta
(1975); Sinfonía de réquiem (1986) y Sortilegios (1992). En todas ellas sobresale
el magistral uso de la instrumentación. En 1965 fue nombrado miembro de la
Academia de Bellas Artes de San Jorge y en 1985 le concedieron el Premio
Nacional de Música.
Mahler:Sinfonía nº 1 en re mayor "Titán"
La Sinfonía n.º 1 (Titán) en re mayor de Gustav Mahler fue
compuesta en el año 1888.
En un principio la obra fue concebida como un largo poema
sinfónico. Mahler le llamó Titán por la novela de Jean Paul, aunque especificó
que la sinfonía no se basaba en absoluto en ella. Mahler utilizó en esta
sinfonía música procedente de su abandonado proyecto de ópera Rübezahl, que
también usó en La canción del lamento.
Al estrenarse, fue acusada de desafiar todas las leyes de la
música, siendo calificada de vulgar y sin sentido. Hoy en día, esta sinfonía es
una de las más apreciadas de Mahler, debido a su gran riqueza melódica; al
hecho de ser una sinfonía temprana, y por otra parte, no es tan larga como
otras de sus sinfonías.
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