La diligencia

Título original: Stagecoach

Año: 1939

País: EEUU

Director: John Ford

Guión:            Dudley Nichols (Historia: Ernest Haycox)

Fotografía: Bert Glennon (B&W)

Reparto: John Wayne, Claire Trevor, Thomas Mitchell, Andy Devine, George Bancroft, Donald Meek, Louise Platt, John Carradine, Berton Churchill, Tom Tyler, Tim Holt

Productora: United Artists

Premios: 1939: 2 Oscars: Mejor Actor de Reparto (Thomas Mitchell), BSO (adaptada).

Género: Western

Cines Doré, Madrid 31 Enero 2013

Mb:

Aunque el western no es un tipo de cine que me entusiasme, esta película es un clásico y obra maestra del género con una fama realmente merecida. Los personajes están muy bien definidos, y la película pone de manifiesto las diferencias sociales, y los prejuicios vigentes en la época, en la relación entre ellos. 

Espectacular la escena de la persecución de la tribu india a la diligencia. De las mejores escenas de acción que he visto en el cine. 

Sinopsis (fuente Wikipedia):

En un pueblo de Arizona, la liga por las buenas costumbres y la decencia deciden expulsar del pueblo a Dallas, una prostituta, y al doctor Boone, un médico borracho. Estos son obligados a subir a la diligencia que iba a salir de la ciudad con destino a Lordsburg, Nuevo México.

A la diligencia se unen la señora Lucy Malory mujer de un capitán de la caballería, quién está embarazada y que quería reunirse con su marido, un banquero que supuestamente tenía que cerrar un negocio, y Hartfield un antiguo soldado confederado que en esos momentos se dedicaba a ser un jugador de ventaja y pistolero, antiguo amigo de la familia Malory, y que decidió ponerse al servicio de la señora Malory. El último de los tripulantes es un comerciante de alcohol, que no tarda en tener al doctor Boone entre uno de sus mejores amigos.

Llegan dos noticias antes de que el telégrafo ha sido cortado por los indios. Una que Gerónimo y sus Apaches chiricauas estaban en la región. La segunda es que el pistolero recluso Ringo Kid se había escapado y se encontraba por la región. Había una suculenta recompensa por su captura.

Para capturar al prófugo, y con el fin de conseguir la recompensa el sheriff de la ciudad, Curly Wilcox se une a la diligencia como vigilante, a pesar de que es amigo de Ringo y de su familia desde niño.

En una escena memorable e icónica en la historia del cine, aparece Ringo Kid, interpretado por entonces poco conocido John Wayne. Ignorando que el Sheriff va en la diligencia con la intención de capturarle, Ringo para la diligencia para dirigirse a Lordsburg pues allí viven los hermanos Plummers , responsables de la muerte de su padre y su hermano. Sin embargo, la presencia del Sheriff y de los soldados hace que Ringo se rinda y entregue sus armas.

El viaje continua, la diligencia sin escolta va pasando de posta en posta, mientras la tensión entre los personajes va creciendo, pronto nace el amor entre Dallas y Ringo, ignorante de la condición de esta, y el doctor Boone, cada vez más borracho, quién bebe las muestras del representante de bebidas alcohólicas.

En la última posta la señora Malory, se pone de parto, gracias a los cuidados de Dallas y del doctor Boone, previamente espabilado a base de café salado consiguen dé a luz sin percances. Cuando parece que todo va a desarrollarse con normalidad, y la diligencia se acerca a Lordsburg en lo alto de una montaña aparece un indio. Se produce una impresionante batalla entre los indios y los pasajeros de la diligencia, Ringo es liberado de sus esposas y con su Winchester sube a lo alto de la diligencia y gasta sus balas matando indios, no le van a la zaga el doctor Boone y Hartfield, sin embargo, las balas se acaban y los tripulantes de la diligencia están perdidos. Hartfield con su última bala va a dar muerte a la señora Malorie para que no la capturen los indios con vida, cuando es alcanzado por una bala india y no puede cumplir su propósito. Justo entonces una trompeta suena a lo lejos, llega la caballería salvadora y los indios huyen.

La diligencia es escoltada hasta Lordsburg. Al llegar las autoridades están esperando a la diligencia. Pero cuando el sheriff se dispone a entregar a Ringo, el que les interesa es el banquero que aprovechando que el telégrafo está cortado había huido con los fondos de su banco.

Mientras las autoridades están ocupadas con el banquero ,Ringo pide al sheriff, bajo palabra de volver, un momento para estar con Dallas y una carabina para cumplir con su misión. El sheriff accede pensando que el arma no tiene balas, pero Ringo ha guardado tres en su sombrero, una para cada hermano Plummer.

Tras sincerarse con Dallas, y encargar al Sheriff que cuando le vuelva a detener la lleve a su rancho Ringo se dirige a la calle principal para enfrentarse a los terribles hermanos Plummer. El esperado duelo es un instante y con resultado indeciso vemos a Ringo lanzarse al suelo y disparar contra sus oponentes. En la siguiente escena vemos al mayor de los Plummer entrar en un bar y desplomarse muerto.

Ringo vuelve para cumplir su palabra con el Sheriff, pero este le hace que se monte en un carro con Dallas y que se marche a su rancho con ella, pues le sabe inocente del crimen por el que había sido acusado y considera justo que haya matado a los Plummer responsable de la muerte 

La tentación vive arriba

Título original: The Seven Year Itch

Año: 1955

País: EEUU

Director: Billy Wilder

Guión: Billy Wilder, George Axelrod (Obra: George Axelrod)

Música: Alfred Newman

Fotografía: Milton Krasner

Reparto: Tom Ewell, Marilyn Monroe, Oskar Homolka, Carolyn Jones, Evelyn Keyes, Sonny Tufts, Robert Strauss, Marguerite Chapman, Victor Moore, Donald MacBride

Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation

Género: Comedia

Cines Doré, Madrid 27 Enero 2013

Sinopsis (fuente filmaffinity):

Como miles de neoyorkinos, Richard Sherman (Tom Ewell) se ha quedado trabajando en agosto mientras su mujer e hijos disfrutan de unas gratas vacaciones en la playa. Siguiendo las recomendaciones de su esposa, está dispuesto a dejar de fumar, de beber, a acostarse pronto y sobre todo a no echar una cana al aire. Pero la tentación aparece cuando conoce a una despampanente vecina (Marilyn Monroe), tan sexy como ingenua.

Mb

Comedia de los años 50, con toda la estética de aquella época, que me encanta, desde los títulos de crédito en el comienzo con su mosaico de colores flúor del que van saliendo los nombres de los protagonistas, hasta la decoración de los interiores, con los tonos pastel, las máquinas de escribir de la época, los utensilios de la casa, y sobre todo, el vestuario, el masculino, pero sobre todo el femenino. Faldas tubo, vestidos entallados que marcan las curvas, tacones altos...

La película en sí, es una comedia blanca, de esas que te hacen desconectar y sonreír, con una Marilyn bellísima y un Tom Ewell que está bien en el papel de atormentado marido. Esas comeduras de cabeza que se hace, esas ensoñaciones, poniéndose en lo peor, o en lo mejor... Durante toda la película lucha contra la tentación que no es que viva arriba, es que se le instala en casa. Al final, consigue evitar esta tentación, no sé si tanto por convencimiento, como por miedo a las consecuencias. El final, convencional para la época, y para el tipo de película también. 

La traducción del título al castellano, en esta ocasión ha sido un acierto. El original se traduce algo así como "La picazón del séptimo año" en referencia a un tema que es recurrente en el film, la crisis del séptimo año en los matrimonios. 

Decepción con la famosa escena de Marilyn aguantándose la falda mientras se refresca con el aire que sale de las rejillas del metro. Pensaba que en la escena se la vería a ella de cuerpo entero, tal y como se ve en los fotogramas de la peli. Pero no, sólo se la ve de medio cuerpo para abajo. Salimos pensando que era un fallo de la proyección, que quizás habían cortado la escena (La Filmoteca, en ocasiones no tiene buena calidad en la imagen y a veces, como nos pasó en Ciudadano Kane, la cinta se interrumpe, y tienen que retomarla). Pero en este caso, y una vez en casa, que he visto varios vídeos en youtube, es así. Lo que sí hay son miles de fotos del rodaje de la escena, por lo que imagino, que una vez trascendió de esa manera, se hizo público todo ese material, donde se la ve a ella desde diferentes ángulos. 

Está rodada en la esquina de Lenxington Avenue con la 51, y recuerdo haberme parado en ella la última vez que estuve allí porque hay una placa que lo recuerda. 

El vestido de Marilyn tuve ocasión de verlo el año pasado, en una exposición en el Museo de Santa Ana de Valladolid. 

Muy sexy también la escena en la que Marilyn es "pillada" por el portero, al que el Sr. Sherman intenta impedir que entre en el apartamento, mientras intentaba cazar los zapatos con sus pies desnudos. 

Gilda

Título original: Gilda

Año: 1946

País: EEUU

Director: Charles Vidor

Guión: Marion Parsonnet (Historia: E.A. Ellington)

Música: Hugo Friedhofer

Fotografía: Rudolph Maté (B&W)

Reparto: Rita Hayworth, Glenn Ford, George MacReady, Joseph Calleia, Steven Geray, Rosa Rey, Joseph Sawyer, Gerald Mohr, Mark Roberts, Ludwig Donath, Donald Douglas, Lionel Royce, Saul Martell

Productora: Columbia Pictures Corporation

Género: Drama. Cine negro. Romance. Thriller

Cines Doré, Madrid 26 Enero 2013

Sinopsis (fuente Filmaffinity):

Johnny Farrell (Glenn Ford), un aventurero que vive de hacer trampas en el juego, recala en Buenos Aires. Allí lo saca de un apuro Ballin Mundson, el propietario de un lujoso casino, que acaba haciendo de él su hombre de confianza. Un día, Mundson le presenta a su esposa Gilda. Su sorpresa no tiene límites: fue ella precisamente quien lo convirtió en lo que es: un ser cínico y amargado.

Curiosidades (fuente Wikipedia):

La banda sonora contiene canciones como Amado mio o Put the Blame on Mame, que Rita Hayworth (Gilda) escenifica en playback y cuya voz real corresponde a Anita Ellis.

Al interpretar la segunda de dichas canciones, el personaje de Gilda se quita sensualmente un guante; esta escena causó sensación en su momento y motivó que el filme fuese prohibido en varios países, entre ellos España. 

En la película, tras dicho striptease se produce otro momento que se hizo igualmente célebre: el personaje de Glenn Ford abofetea a Gilda.

Mb

Gilda es Rita Hayworth. Femme fatale por antonomasia. La expresión "llenar la pantalla", tiene más sentido que nunca en la mayor parte de las escenas en las que aparece ella. 

La primera en la que sale, cuando Mundson se la presenta a Johnny, y en la que, en un gesto cargado de sensualidad, levanta la cabeza, y deja al descubierto, su espectacular cabellera y una mirada inolvidable, la verdad es que me puso hasta el vello de punta. 

Para mi la película es ella, y el drama pasional entre los dos protagonistas. Una historia de venganza, celos y amor-odio. La trama de fondo, de novela negra, es bastante mala y no está bien contada. De hecho, las partes de la película que se centran más en ella son incluso un poco aburridas. 

Del final no me acordaba. Incluso me sorprende la reconciliación un poco precipitada. A la salida, diversidad de opiniones entre nosotros. Yo interpreto que él la perdona porque Gilda le confiesa que nunca le engañó, y sólo pretendió darle celos en ese pasado juntos. Otra interpretación es que Johnny le perdona a pesar del engaño. 

En resumen, un clásico que merece mucho la pena ver en el cine y en VO. La escena del guante no me extraña que haya pasado a la historia del cine. 

Al igual que el Amado mío que interpreta en el club de Montevideo. Sex appeal en estado puro.

Y una pena, que en su época no existiese el cine en color, no sólo por poder ver el color de su pelo, sino porque el vestuario de ella en toda la película, es espectacular (creación del diseñador francés Jean Louis). Me pregunto de qué color sería el abrigo largo de lentejuelas. 

El trailer recoge la mayor parte de las escenas que han hecho de Gilda lo que es

Otras curiosidades de esta película:

Hizo inmensamente famosa a Rita Hayworth, hasta el punto de que se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada por Estados Unidos sobre las Islas Bikini. Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó profundamente. También ocasionó una histérica expedición a la Cordillera de los Andes, a fin de enterrar allí una copia de la película, para que se conservase en caso de un desastre nuclear.

Este momento de fama internacional también coincide con una de sus crisis en lo personal: su matrimonio con Orson Welles entró en crisis, y ella declaró a la prensa una frase que se haría célebre: «Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo».

El último tango en París

Título original: Last tango in Paris

Año: 1972

País: Francia

Director: Bernardo Bertolucci

Guión: Bernardo Bertolucci & Franco Arcalli

Música: Gato Barbieri

Fotografía: Vittorio Storaro

Reparto: Marlon Brando, Maria Schneider, Jean-Pierre Léaud, Massimo Girotti, Maria Michi, Catherine Allegret, Giovanna Galletti

Productora:Coproducción Italia-Francia. Produzioni Europee Associate/Les Productions Artistes Associes.

Productor: Alberto Grimaldi

Género: Drama | Erótico. Película de culto

Cines Doré, Madrid 15 Enero 2013

Mb

El último tango en París, me gustó mucho más de lo que esperaba. Recuerdo haberla visto hace muchísimos años pero no me acordaba de apenas nada. La hora mala para un día de diario: 21.40. Eso me hizo no disfrutarla tanto. En pie desde las 7 de la mañana y con todo el día encima, una peli intensa como ésta, requiere una buena dosis de concentración.

Me gustó el argumento, la historia que cuenta, y me gustó mucho Marlon Brandon, tanto su interpretación, como su personaje. Muy bien rodadas las escenas de sexo. En la mayoría de las películas, las escenas de sexo con los personajes vestidos, no me resultan verosímiles, porque en la vida real, follar con la ropa puesta tiene su “complejidad”, y no todos los directores saben rodar ese tipo de escenas. En esta película, están muy bien realizadas.

La protagonista, María Schneider, con una belleza joven muy natural, voluptuosa, muy francesa en su estilo, pero con una interpretación muy por debajo de su partenaire.

Muy buena la fotografía, la música y el montaje.

Escena memorable para mí: la escena del baño. Una escena larga, desde que la baña, luego mientras la seca, le va diciendo lo que ella espera de un hombre, y lo que un hombre va a esperar de ella. Hasta que consigue someterla en una entrega, donde hay cabida para lo más sórdido. Una de las escenas de sumisión más intensa que he visto nunca, o leído. 

Me sorprendió el final. La relación de dependencia se invierte. El dominador, se somete. El sumiso, domina, y…. mata.

Sinopsis y Comentario (Fuente Wikipedia):

Una mañana de invierno, Paul (Marlon Brando), un hombre de 45 años, que recién ha enviudado tras el suicidio de su mujer, y Jeanne, una muchacha de 20 años (Maria Schneider), actriz amateur, se encuentran casualmente mientras visitan un departamento de alquiler que ambos desean rentar, en París. La atracción entre ellos es muy fuerte, y mediando tan sólo unas cuantas palabras, hacen el amor apasionadamente en el piso vacío.

Cuando abandonan el edificio, establecen el pacto de volver a encontrarse allí, en soledad, sin preguntarse sus nombres. Paul consigue alquilar el departamento, donde comienzan a tener furtivos encuentros, relación que se caracterizará por una fuerte violencia verbal y sexual ejercida por él hacia Jeanne, en un afán de dominar también su mente. Ella, prometida para casarse con otro, -un joven director de cine (Jean Pierre Léaud) que la convoca a la filmación de una película por las calles de París-, parece no darse cuenta de la violencia de que es objeto.

La película se caracterizó por su fuerte erotismo, pasando a la historia del cine una escena particular en la que el personaje masculino sodomiza a la mujer, valiéndose de un poco de mantequilla a modo de lubricante. Estas escenas, y en general el tratamiento de la temática erótica desde una óptica inusual (numerosas escenas de desnudos frontales de la mujer), causarían un gran impacto en la sociedad de la época.

Años después, la actriz declararía que la escena de sodomía se realizó fuera de lo establecido en el guion original, por sugerencia del propio Brando. Y que sus lágrimas en la escena (que por cierto no se ensayó más que una vez) fueron reales. Años después, decidió abandonar la filmación de Calígula (sería reemplazada por Teresa Ann Savoy) para ingresar voluntariamente, junto una mujer (de quien ella misma declaró era su pareja) a un hospital psiquiátrico. También abandonaría el mundo del cine (se dice que se volvió adicta a la heroína) al que regresaría años después, para actuar únicamente en películas (más de 30, y sobre todo europeas) de otro género, sin contenido sexual.

Sin embargo, a pesar de ser ampliamente recordada por estos detalles, suele destacarse la interpretación de un Brando ya maduro, y la calidad del trabajo fotográfico del filme (Vittorio Storaro), que contribuye en buena medida a otorgar un contrapunto de lirismo a una cruda trama argumental.

La música del filme, compuesta por el músico argentino Gato Barbieri lo lanzó a la popularidad, y quedó como un sello característico de la película.

Una tarde en el circo

Año: 1939
Nacionalidad: EEUU
Director: Edward Buzzell
Guión: Irving Brecher
Música: Franz Waxman
Fotografía: Leonard Smith (B&W)

REPARTO:

Groucho Marx : Detective J. Cheever Loophole

Harpo Marx: Punchy

Chico Marx: Antonio 'Tony' Pirelli

Kenny Baker: Jeff Wilson

Florence Rice: Julie Randall

James Burke: John Carter

Margaret Dumont: Suzanna Dukesberry

Barnett Parker como Whitcomb

Eve Arden: Peerless Pauline

Nat Pendleton: Goliath the Strongman

Jerry Maren: Little Professor Atom

Fritz Feld: Jardinet

Charles Gemora: Gibraltar

CBA Círculo Bellas Artes, Madrid 29 Diciembre 2012

Una tarde en el circo es la novena película de los hermanos Marx, realizada en 1939 por MGM. Es más conocida por la interpretación de Groucho del clásico "Lydia the Tattooed Lady" (Lydia, la dama tatuada) que por su calidad cinematográfica, lejos ya de sus mejores años. 

La película trata sobre un joven que quiere invertir la fortuna que ha heredado de su tía para enrolarse en el circo donde trabaja su novia. Cuando el propietario le roba el dinero, el joven recurre a los hermanos Marx, con Groucho en el papel de detective.

Buster Keaton trabajó en la película como creador de gags (asunto que no se hizo público). La carrera de Keaton ya era inexistente, y se veía obligado a trabajar donde le decían. Los gags complejos y elaborados de Keaton (citados en el libro Groucho, Harpo, Chico and sometimes Zeppo) no acababan de cuadrar con el tipo de humor de los hermanos, asunto que provocó ciertas fricciones entre el cómico y el grupo. Cuando Groucho le mencionó a Keaton lo inapropiados que eran sus gags para los hermanos Marx, éste respondió: "Sólo hago lo que el señor Mayer me ha dicho que haga. Vosotros, chicos, no necesitáis ayuda".

Mb

Efectivamente la película, no es ni mucho menos de las mejores de los Hermanos Marx. Me ha decepcionado de la sala que la hayan proyectado en versión doblada en lugar de original. En cualquier caso, tarde agradable de cine. 

La Venus Rubia

Año: 1932
Director: Josef von Sternberg
Nacionalidad: Norteamericana
Guión: Jules Furthman, S.K. Lauren

Reparto:
Marlene Dietrich
Herbert Marshall
Cary Grant
Dickie Moore
Gene Morgan
Rita La Roy
Robert Emmett O'Connor
Sidney Toler
Morgan Wallace

La Filmoteca (Madrid), 27/09/2012


Sinopsis:

Helen es una cantante de cabaret que decide abandonar su profesión para contraer matrimonio con Edward Faraday, un abnegado científico entregado a su trabajo y cuya situación económica no es muy boyante. Durante un viaje a Alemania, Edward contrae una grave enfermedad, debido a sus investigaciones, y se ve obligado a seguir un costoso tratamiento. Para sufragar los gastos, Helen vuelve a su antiguo trabajo. Así conoce a Nick Towsend, un playboy que la enamora y con el que inicia una nueva vida. Cuando Edward regresa y descubre la infidelidad de su mujer, decide quitarle a Helen el hijo que tuvo con ella. Poco después, abandonada por todos, Helen se da a la bebida y termina accediendo a entregarle el niño a su marido. Sin embargo, al cabo de cierto tiempo, a Helen se le presenta la oportunidad de volver a trabajar en París, donde alcanza, inesperadamente, un éxito que le permite albergar nuevas esperanzas de reconstruir su vida.

Mb

No sé si porque no conocía el argumento, y esperaba una película en clave de cine negro, con una Marlene en su faceta Femme Fatale, pero la verdad es que me ha decepcionado. Se trata de un drama con final "feliz" y "convencional".

De los temas musicales también me esperaba mucho más. Ninguno destacable, salvo el número del gorila, no por la pieza musical en sí, pero sí sorprende la transformación del gorila. Esta escena, en mi opinión, es la mejor de la película.

Un Cary Grand jovencísimo y una Marlene bellísima, misteriosa y distante. 

Amarcord

Año: 1973
Nacionalidad: Italiana
Director: Federico Fellini
Guión: Tonino Guerra&Federico Fellini
Música: Nino Rota

Reparto:

Bruno Zanin

Pupella Maggio

Armando Brescia

Ciccio Ingrassia

Magalie Noël

Josiane Tanzilli

Alvaro Vitali

Nando Orfei

Luigi Rossi

La Filmoteca (Madrid), 26/09/2012

Sinopsis:

Cuenta la historia de algunos personajes que viven en la ficticia ciudad de Borgo, basada en la ciudad de Rímini, ciudad natal de Federico Fellini, durante el período de la Italia fascista en la década de 1930.

Con la apariencia inicial de la típica película costumbrista italiana, adquiere pronto una dimensión de ironía, farsa y esperpento.

El título del filme (a m'arcòrd) quiere decir literalmente "yo me acuerdo" (o "me acuerdo de", "recuerdo") en el dialecto propio de Emilia-Romaña, la región italiana donde está situada Rímini.

Mb: 

Tarde de cine en la Filmoteca. Hacía muchísimos años que había visto esta película, debía ser una niña o adolescente, seguramente en "Sábado cine". Me ha gustado más de lo que recordaba, posiblemente porque no es una peli fácil de entender si la ves demasiado joven. Con un mensaje muy crítico a la sociedad italiana de los años 30, en clave de humor y surrealismo. Tiene personajes y escenas inolvidables. Me quedo con la del inicio de la película, la entrada de la primavera "qué vienen los milanos, qué vienen los milanos..." y la fiesta del final con la boda en la playa, que tiene un aire de tristeza muy intenso y que es un final circular, acaba como empieza, con la llegada de los milanos. 

Muy bonita la BSO de Nino Rota