Góngora, la estrella inextinguible

Biblioteca Nacional Española
Paseo de Recoletos, 22
Madrid 28001










La exposición amplía el conocimiento del gran poeta Luis de Góngora, mostrando su interesante trayectoria poética, de vital importancia para la evolución de la poesía española del Siglo de Oro, y la transcendencia de su obra en las generaciones posteriores.

La muestra desvela la figura del poeta cordobés y analiza más de cuatro siglos de influencia del universo gongorino en la literatura universal a través de dos centenares de piezas entre cuadros, manuscritos, grabados, dibujos, cartas, esculturas, instrumentos musicales, tapices, partituras, carteles, libros, y revistas. Joaquín Roses es el comisario de esta exposición que clausura la conmemoración del 450 aniversario del nacimiento de Luis de Góngora y celebra el Tricentenario de la BNE.

La exposición, dividida en cuatro bloques, arranca con el titulado En orbe de oro luminosa estrella: vida y contextos, que sitúa al poeta en su tiempo a través de cinco secciones: Libros que hechizaron a Góngora; Viajes y poesía: Córdoba, Madrid y otras ciudades; Corte y clero; Imagen inmóvil y letra de don Luis y El manuscrito Chacón: estela y alhaja del Príncipe de los poetas. Este bloque alberga retratos de Luis de Góngora (Velázquez) o Felipe IV (Gaspar de Crayer) junto a cartas autógrafas del poeta cordobés, el célebre manuscrito Chacón y obras de diversos autores de los siglos XVI y XVII como Juan de Mena, Garcilaso de la Vega, Juan Rufo, Luis Carrillo y Sotomayor, Alonso de Ercilla, Fernando de Herrera o Lodovico Ariosto.

El segundo bloque, dividido en cuatro secciones –La transmisión manuscrita; La transmisión impresa; La polémica sobre la nueva poesía y Fugaz esplendor: imitadores en Europa y América- se refiere a El triunfo de Góngora en el siglo XVII y reúne manuscritos que contienen obra de Góngora como el Estrada o el Iriarte; retratos de coetáneos como Lope de Vega, Pedro de Valencia o José de Pellicer, diversas ediciones de la poesía de don Luis impresas en distintas ciudades (Lisboa, Bruselas), así como manuscritos e impresos que recogen la polémica que provocaron sus poemas más innovadores, como el Polifemo y las Soledades. También figuran en este bloque libros de imitadores del siglo XVII y XVIII, tanto europeos como americanos.

El tercer bloque, Motivos cotidianos, poemas estelares, mitos inagotables: sugerencias de la forma, la línea y el color, invita a un recorrido por los sectores más estimulantes de la producción gongorina con tres capítulos: Lo pastoril, lo cinegético y la música (que recopila instrumentos musicales de la época y óleos como Escena pastoril de Adriaen van de Velde); Brújulas en el universo poético: Polifemo y Galatea, Soledades , Píramo y Tisbe, donde se exhiben importantes óleos como Acis y Galatea, de Charles de la Fosse, El rapto de Proserpina, de Simone Pignoni, o el Píramo y Tisbe de Gregorio Pagani, junto a otros autores como Piere Claude Gautherot y Abraham Daniëlsz Hondius; y Vórtice de mitos y motivos (que incorpora como escultura una de Ganimedes del siglo II y el óleo de Claude-François Delorme Hero y Leandro).

El último bloque de la exposición, La galaxia de Góngora en el siglo XX, analiza las revisiones del poeta en el último siglo a través de cuatro secciones: Constelaciones poéticas y artísticas; Inextinguibles proyecciones al universo contemporáneo; La elipse en América; y La nebulosa crítica. El arte está presente en este último capítulo con los retratos de algunos miembros de la Generación del 27 realizados por Gregorio Prieto, como los de Luis Cernuda, Dámaso Alonso, Federico García Lorca, Miguel Hernández o Rafael Alberti, de los que se exponen también manuscritos; el busto de Góngora esculpido en bronce patinado por Mateo Inurria; los Veinte poemas de Góngora ilustrados por Picasso; y obras pictóricas de Luis Gordillo (Tricuatropatas), Joaquín Vaquero Turcios (Retrato de Góngora joven) o Guillermo Pérez Villalta (Las lágrimas de Narciso). Junto a ellas, esculturas de Josep Maria Subirachs o el cartel original de La bella y la bestia, de Jean Cocteau; entre las ediciones del siglo XX se pueden ver obras como Perito en lunas de Miguel Hernández, Antiguo muchacho de Pablo García Baena, Cantos de vida y esperanza de Rubén Darío, Muerte de Narciso, de José Lezama Lima, y poemarios de Jorge Luis Borges, Octavio Paz o Severo Sarduy. La muestra se cierra con las ediciones y los ensayos de algunos de los grandes impulsores del último siglo en el estudio del poeta cordobés como Dámaso Alonso, Robert Jammes, Emilio Orozco Díaz, Antonio Carreira

Leonardo Códices de Madrid de la BNE

Biblioteca Nacional Española

Paseo de Recoletos, 22

28001 Madrid

Leonardo da Vinci, además de ser uno de los grandes pintores italianos, resulta ser el paradigma del genio renacentista, interesado en entender y controlar la naturaleza a través de sus ingeniosos estudios sobre anatomía, botánica, ingeniería, óptica, técnicas artísticas de fundición, urbanismo…y cualquier otra disciplina científica. 

Todos estos intereses han quedado plasmados en los numerosos cuadernos de notas que se conservan. Los cuadernos de Leonardo pasaron a su discípulo Francesco Melzi, siendo alguno de ellos posteriormente adquiridos por Pompeo Leoni, escultor de Felipe II, quien trajo varios ejemplares a España, donde lamentablemente solo permanecieron dos, los conocidos como Códice Madrid I y II, que fueron comprados por Juan de la Espina y ahora conservados en la Biblioteca Nacional de España procedentes de la Real Biblioteca Pública creada por Felipe V.

Entre 2010 y 2011 la Biblioteca Nacional de España estudió en profundidad las características codicológicas y técnicas de tan importantes manuscritos con la extraña escritura invertida de Leonardo, los sometió a una cuidada intervención, practicada después de un exhaustivo estudio de todos los códices de Leonardo conservados, y se procedió a retirar las encuadernaciones que no eran originales.

Para difundir estos dos códices y los trabajos realizados sobre ellos, la BNE organiza la exposición El imaginario de Leonardo. Códices Madrid de la Biblioteca Nacional de España. El proyecto expositivo está dirigido por Elisa Ruiz, catedrática emérita de Codicología de la Universidad Complutense de Madrid, quien se ocupó del estudio introductorio a la edición facsímil de los Códice Madrid I y II.

Se expondrán más de seiscientas páginas realizadas por Leonardo en su madurez. En ellas hay propuestas recurrentes ultimadas y creaciones de nuevo cuño. Todo ello es una amalgama de ideas fértiles concebidas en forma de imágenes. No hay un propósito de elaborar un tratamiento sistemático de temas, sino un deseo de plasmar cuantas ocurrencias, en el sentido etimológico del término, acudían a su mente. La posibilidad de conocer el flujo de un pensamiento salvaje y genial en versión autógrafa es una ocasión única en la historia de la cultura occidental. Esta Exposición nos permite descubrir el imaginario de Leonardo.

La exposición se divide en 4 áreas. La primera, Leonardo, sitúa a Leonardo en su contexto histórico. Su figura ha sido reinterpretada en muchas direcciones con el paso del tiempo. Se trata de retratos, como poco, desenfocados. En realidad, su persona fue un resorte que movió los fundamentos teóricos vigentes en su época. Se opuso frontalmente al principio de autoridad, a las ideas difundidas en los medios universitarios, al menosprecio de las Bellas Artes, y al sometimiento a los prejuicios sociales dominantes. Pudo ser un resorte más eficiente si se hubiese avenido a difundir sus textos, pero el perfeccionismo que le caracterizó y su prevención hacia la imprenta le impidieron dar a conocer su obra en tiempo oportuno. 

La segunda área, El Códice Madrid I, versará sobre este volumen que es un verdadero tratado de estática y mecánica, plagado de magníficos dibujos a tinta. Al estar ya encuadernado se podrá visualizar abierto por alguna de sus bellas páginas. Junto al manuscrito original se instalará un audiovisual que permita visualizar toda la obra. La tercera sección, El Códice Madrid II, contiene apuntes sobre arquitectura e ingeniería, sobre la canalización del río Arno, la cuadratura del círculo, el vuelo de los pájaros, el movimiento de las olas, la música o la fundición del caballo Sforza. Este volumen permanece desencuadernado por lo que es una oportunidad única para contemplar simultáneamente muchos de los folios que lo componen. En la última sección, La restauración de los Códices de Leonardo se dará a conocer la intervención a la que han sido sometidos recientemente.

Ernst Ludwig Kirchner

Exposición de Ernst Ludwig Kirchner


Fundación Mapfre
Madrid, 8 de Junio de 2012













Mb

No conocía a este artista pero esta tarde, tras encontrarnos la Feria del libro cerrada, Ab propuso ir a ver esta exposición. 

Me ha gustado mucho y me ha sorprendido. El uso del color, que incluye colores "antinaturales" para representar por ejemplo los cuerpos de las mujeres, el protagonismo de las figuras femeninas, las composiciones... también los temas.  

Un detalle que no había visto nunca antes, hay cuadros que están pintados por los dos lados del lienzo. Podemos ver, en la tarjeta con el título y la técnica de la obra, que debajo están los datos de la pintura que está por detrás, pero que salvo uno, que está colgado de tal forma que se ven ambos lados, el resto, sólo se ve una de las 2 pinturas. La verdad es que no sé si el artista los pintó "dobles" o bien, que en los museos a donde pertenecen, tienen los cuadros expuestos de tal forma que se puedan ver ambos lados. Tendré que investigar un poco más...

Algo sobre su vida: 

Kitchner nació en Alemania en 1880. Estudió pintura en Munich y fundó el grupo expresionista Die Brücke con otros 4 estudiantes. Perseguían un estilo plano de colores inspirado en el arte primitivo y el fauvismo francés.

Hasta 1911 vivió en Dresde, después se mudó a Berlín donde reflejó la agitación y el movimiento de la ciudad. Se interesó por el mundo de la prostitución callejera (de hecho en la exposición hay varios cuadros con esta temática: la mayoría lleva en el título la palabra "coquette", que creo que en francés significa literalmente "coqueta").

En 1914 cuando estalla la primera guerra mundial, fue movilizado pero sufrió una crisis nerviosa. 

En 1915 cuando volvió de la guerra su situación mental no mejoró, incluso se resintió más después de sufrir un atropello. Decidió retirarse en Davos (Suiza) donde siguió pintando, sobre todo paisajes tranquilos y menos valorados por la crítica. 

En 1937, en pleno auge del nazismo, su arte se clasificó como degenerado y muchas de sus obras fueron destruidas. A raíz de esto, su salud mental empeoró y se suicidó en 1938 cuando tenía 58 años. 

Paulus Op. 36

de Félix Mendelssohn Bartholdy 

(Hamburgo, 3 de febrero de 1809 – Leipzig, 4 de noviembre de 1847), fue un compositor, director de orquesta y pianista de música romántica alemán.

Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid

Mª Cristina Kiehr: Soprano

Pilar Vázquez: Contralto

Rufus Müller: Tenor

José Antonio López: Barítono

Pedro Teixeira: Director del coro

Victor Pablo Pérez: Director

Paulus Op. 36

Un hito conseguido por Mendelssohn durante los años de su estancia en Leipzig fue el estreno de su oratorio Paulus, que tuvo lugar en el Lower Rhine Festival en 1836, poco después de la muerte de su padre. Muchos de los contemporáneos de Mendelssohn opinaron que Paulus era su trabajo más fino y más excepcional y puso el sello a su reputación europea. Los escépticos incluyeron a Heinrich Heine que escribió sobre esta obra «el mejor y más ingenioso cálculo, la inteligencia aguda y, finalmente, la carencia completa de veteranía. ¿Pero hay en el arte alguna originalidad de genio sin veteranía?»; anticipando a Wagner y a muchos de los críticos posteriores de Mendelssohn que atacaron la supuesta desenvoltura del compositor.

Ciudadano Kane

Título Original: Citizen Kane

Año: 1941

País: EEUU

Director: Orson Welles

Guión: Orson Welles & Herman J. Mankiewicz

Música: Bernard Herrmann

Fotografía: Gregg Toland (B&W)

Reparto: 

Orson Welles

Joseph Cotten

Everett Sloane

George Coulouris

Dorothy Comingore

Ray Collins

Agnes Moorehead

Paul Stewart

Ruth Warrick

Erskine Sanford

William Alland

Alan Ladd

Productora: RKO Mercury Theatre

                                               

Género: Drama/Periodismo/Película de culto

Cines Doré (La Filmoteca), Madrid 27 Mayo 2012

Citizen Kane está considerada como una de las obras maestras de la historia del cine, siendo particularmente alabada por su innovación en la música, la fotografía y la estructura narrativa.

Fue la ópera prima de Welles, ganó un Óscar al mejor guion original para Herman J. Mankiewicz y el propio Welles. Ese sería el único Óscar conseguido por Welles en toda su carrera, a excepción del honorífico de 1970.

Argumento: 

Charles Foster Kane (Orson Welles) es un magnate de la prensa enormemente rico que ha estado viviendo solo en Florida en su suntuosa finca Xanadu durante los últimos años de su vida. Muere en la cama pronunciando la palabra «Rosebud...» mientras una bola de nieve cae de sus manos y se hace añicos. La muerte de Kane es noticia en todo el mundo. El periodista Jerry Thompson (William Alland) investiga sobre la vida privada de Kane con el objetivo de descubrir el significado de su última palabra al morir. El periodista entrevista a los amigos y compañeros del magnate. Es así como se va desarrollando la historia a través de los recuerdos de los entrevistados. Thompson visita a la segunda mujer de Kane, Susan Alexander (Dorothy Comingore), ahora una alcohólica que tiene su propio club, pero que rechaza contarle nada. Thompson acude entonces al archivo privado de Walter Parks Thatcher (George Coulouris), un difunto banquero que fue el tutor de Kane durante su infancia y adolescencia. A través de las memorias de Thatcher, Thompson conoce la infancia de Kane. Thompson luego entrevista a Bernstein (Everett Sloane), el apoderado de Kane; a Jedediah Leland (Joseph Cotten), su mejor amigo; a Susan por segunda vez y a Raymond (Paul Stewart), su mayordomo.

Los flashbacks revelan que Kane pasa su niñez en la pobreza en Colorado hasta que se descubre la "tercera mina de oro más grande del mundo" en una propiedad aparentemente sin valor que su madre había adquirido. La madre de Kane (Agnes Moorehead) envía su hijo a la costa este de Estados Unidos a vivir con Thatcher y ser educado allí. Después de obtener el control total de sus posesiones con 25 años, Kane entra en el negocio de la prensa a través de un periódico sensacionalista. Toma el control del periódico, el New York Inquirer, y contrata a los mejores periodistas. Su intento de alcanzar el poder se pone de manifiesto mediante su manipulación de la opinión pública hacia la Guerra Hispano-Estadounidense; su primer matrimonio con Emily Monroe Norton (Ruth Warrick), sobrina del presidente y su campaña para gobernador del Estado de Nueva York.

El matrimonio de Kane se disuelve con los años y empieza una aventura amorosa con Susan Alexander. Su esposa y su rival en la política descubren la infidelidad, lo que da al traste con su matrimonio y su carrera política. Kane se casa con su amante y la obliga a ejercer como cantante de ópera, una carrera para la que ella no tiene talento ni ambición. Kane finalmente le permite abandonar su carrera como cantante después de que ella intentase suicidarse. Después de un periodo de aburrimiento y aislamiento en Xanadu, Susan decide dejar a su marido.

Kane pasa sus últimos años construyendo su vasta finca, en la que vive solo con el personal. El mayordomo cuenta que Kane había dicho «Rosebud» después de que Susan le dejase, justo después de ver una bola de nieve.

De vuelta al presente, en Xanadu, el gran número de pertenencias y posesiones de Kane está siendo catalogado, desde carísimas obras de arte hasta muebles sin valor. Es entonces cuando Thompson admite que es incapaz de resolver el misterio y concluye que Rosebud será siempre un enigma.

Especula diciendo: «El señor Kane fue un hombre que tuvo todo cuanto quiso, y que lo perdió. Tal vez Rosebud fue algo que no pudo conseguir o algo que perdió». Al final de la película, se revela al espectador que Rosebud es el nombre del trineo que Kane tuvo cuando era un niño; una referencia a la única época de su vida en la que fue realmente feliz. El trineo, junto con los trastos de la casa, es quemado y destrozado en un horno del sótano por el personal que abandona ya Xanadu.

La loba

de Lillian Hellman

Dramaturgia y dirección: Gerardo Vera

Versión: Ernesto Caballero

Reparto:

Héctor Colomé,

Carmen Conesa,

Nuria Espert,

Ricardo Joven,

Paco Lahoz,

Markos Marín,

Jeannine Mestre,

Víctor Valverde

Ileana Wilson

Teatro María Guerrero, Madrid 16 Mayo 2012

Protagonizada por Nuria Espert, la obra de Lillian Hellman que pone en escena el Centro Dramático Nacional es una versión de Ernesto Caballero, con dramaturgia y dirección de Gerardo Vera.

“Little foxes" (La Loba), es todo un clásico de la literatura dramática norteamericana. Con claras reminiscencias chejovianas, la obra es un gran mural de las clases adineradas del Sur en los primeros años del siglo veinte. La autora fustiga la ambición desmedida y la falta de escrúpulos de muchos voraces especuladores que tras la guerra civil estadounidense se lucraron, fundamentalmente, con la industria algodonera. En la figura de Regina Giddens, potentada sureña, se condensa la codicia, la manipulación y, sobre todo, la inteligencia al servicio del lucro y enriquecimiento personal; sus tramas, sus intencionados silencios, su calculada afabilidad, su refinada psicología, la convierten en uno de los personajes más complejos y sugestivos del teatro contemporáneo.

Es sin duda una heroína (o antiheroína) de nuestros días que termina tomando conciencia de que los hilos que mueven su compulsiva trayectoria -la implacable y feroz competitividad financiera-, conducen inexorablemente a un destino de frustración y soledad. La obra, por tanto, pone de relieve eso que el sociólogo Richard Sennet denomina corrosión del carácter en el capitalismo, y lo hace en un vibrante hervidero de emociones, ambiciones, anhelos y frustraciones de una próspera familia de una pequeña ciudad del sur de los Estados Unidos a principios del siglo pasado”.

Argumento: 

Regina Hubbard (o Nuria Espert) baja las escaleras del salón de su espectacular mansión. Por un momento pasea la mirada a su alrededor, con porte de dueña y señora que es de todo y todos (como veremos posteriormente). Al momento una de las paredes se hace traslúcida y vemos el comedor con el resto de los protagonistas de la La Loba, la obra de Lillian Hellman que Gerardo Vera ha llevado a las tablas del Teatro María Guerrero de Madrid. Un inicio simbólico y eficaz para la historia de una familia de avariciosos personajes en la Alabama de 1900. 

Regina y sus dos hermanos, Ben y Oscar, consiguen un trato con un empresario de Chicago para construir una fábrica textil en la localidad donde la familia explota sus campos de algodón. Lo que les hará inmensamente ricos. Para ello necesitan invertir un capital del que los dos hermanos varones disponen sin problema pero que la hermana mayor debe pedir a su marido, lo que desatará el conflicto. 

Los tres hermanos Hubbard y Leo, el insoportable hijo de Oscar, son The little foxes (Los pequeños zorros), título original de la obra de Hellman. Una manada de seres despiadados dispuestos a todo para medrar y conseguir sus deseos de poder y riqueza. La función nos presenta a otros tantos personajes positivos (la hija y el marido de Regina, su cuñada y la sirvienta negra), pero completamente dominados por la oscuridad y avaricia de sus oponentes. 

Cosas que hoy decíamos

Autor: Neil LaBute
Dirección: Julio Manrique
Producción: Sala Beckett y Grec 2010 Festival de Barcelona
Escenografía: Lluc Castells
Reparto: 

Mireia Aixalà

Cristina Genebat

Oriol Guinart

Norbert Martínez

Xavier Ricart

Andrew Tarbet

Ernest Villegas

Sala: Abadía (Madrid, 12 de Mayo de 2012)

Mb:

"Estamos locos, pero hacemos como si nada"

3 encuentros, reencuentros y desencuentros amorosos. 3 historias que se desarrollan en un restaurante donde cada una de las parejas expresa sus sentimientos, frustraciones, emociones y decepciones. 

La obra debe su título a una canción de los Beatles: Things we said today

Me ha gustado mucho la escenografía, ambiente cinematográfico, con un marco que dejaba ver el restaurante y la ventana de detrás por donde entraban, salían, huían los personajes... 

Historia 1: Aventura (Romance)

Una pareja homosexual. Uno de ellos, regresa después de los años con la finalidad de saber porque su pareja le dejó y le engañó. Representa la dependencia emocional de uno, y el enorme cinismo del otro, que se regodea en el engaño y en hacer más evidente aún, el patetismo del que fue su compañero, que aún después del tiempo, se arrastra conformándose con las "migajas" que el otro todavía le pueda dar. Es la que menos me gustó, no por el tema, en el que más de uno nos podemos o hemos podido sentir identificados en algún momento de nuestra vida, sino por las interpretaciones. Mejor el personaje del cínico, pero ambos me han parecido un poco forzados en sus ademanes. 

Historia 2: Las Furias (The Furies)
Muy buenas todas las interpretaciones, especialmente la de la hermana de Jimmy que toda la primera parte no habla pero el lenguaje gestual es soberbio. Interpreta el personaje Oriol Guinart, actor que hasta ahora no conocía y que ha sido toda una sorpresa. 
Historia 3: Tobogán (Helter Skelter)

Después de haberse dado un respiro en la relación, una pareja se cita en una taberna mexicana. Él (Jimmy) se presenta con su hermana, y ella (Paula), les revela a ambos que tiene una enfermedad terminal y quiere dejar la relación con Jimmy para que éste se sienta libre de emprender una nueva vida. 

La hermana de Jimmy no cree la versión de Paula, y pone en duda su enfermedad, influyendo en su hermano que en su simplicidad se deja manipular e influir por ella. Paula se siente incomprendida, triste, frustrada. Representa a tantas mujeres que eligen como compañeros a "peleles", que no están a la altura de ellas. 

Un matrimonio de vacaciones se citan para cenar en un restaurante francés. Ella está embarazada y acaba de descubrir que su marido le es infiel, con su hermana, desde hace años. Impresionantes diálogos. Muy bien sobre todo ella (Cristina Genebat). Representa la decepción, la deslealtad, el dolor más absoluto ante esta situación que a ella se le hace insoportable. Se produce una distancia insalvable entre ambos. Mientras para ella supone el fin del equilibrio, de la pareja, de todo lo que les unía, él intenta restarle importancia a la situación, no entendiendo la postura de ella. Dramático final que me ha gustado mucho. Para mí es la clave para que esta pieza sea del todo redonda.